Филиал Русского музея в Кемерове

В Кемерове проходят три выставки Русского музея. Вас интересует какая-то одна или все сразу? Воспользуйтесь нашим гидом по каждой!

«Пейзаж
в творчестве художников XIX – начала XX века»

Филиал Русского музея в Кемерове

«Пейзаж
в творчестве художников XIX – начала XX века»

В Музее изобразительных искусств Кузбасса до 15 февраля проходит выставка «Пейзаж в творчестве художников XIX – начала XX века» из коллекции Русского музея. На выставке вы можете увидеть полотна известных русских художников, среди которых Василий Поленов, Алексей Саврасов, Исаак Левитан, Аполлинарий Васнецов, Архип Куинджи, Абрам Архипов и другие. Эти живописцы были членами Товарищества передвижных художественных выставок, которому в 2020 году исполнилось 150 лет. Предлагаем вам узнать об их картинах поподробнее.

Алексей Саврасов

«Ветряная мельница»

Не классицистическая мифология, не колоннады, увитые плющом, а русское: опушка леса, деревня, весна, полевые работы, крестьянская жизнь – вот что становится предметом изображения художников-пейзажистов второй половины – последней трети ХIХ века, членов Товарищества передвижных выставок. Их картины из коллекции Русского музея экспонируются сегодня в Музее ИЗО Кузбасса.

Русскость эта, в прямом смысле приземленная, плоть от плоти нации, сопровождала творчество и жизнь художников, провозгласивших целями организацию во всех городах России передвижных художественных выставок, предоставление жителям провинций возможности знакомиться с русским искусством, развитие любви к искусству в обществе.

В середине XIX века, наряду с Петербургом, новым художественным центром становится Москва. В Московском училище живописи, ваяния и зодчества в это время следовали системе обучения, основанной на тщательном изучении натуры. Преподаватели стремились развить в учениках понятие «русскости», чувство патриотизма. В конце 1850-х годов созданный в училище пейзажный класс возглавил Алексей Саврасов, один из основоположников лирического пейзажа в русской реалистической живописи.

Его картина «Ветряная мельница» представляет собой типичный для средней полосы пейзаж. Ее приглушенный колорит, сочетание конкретности и обобщенности – того самого национального, русского – заставляет зрителя и сегодня испытывать широкую гамму чувств. Стремлением Алексея Саврасова как автора и как педагога было желание обратить пейзажную живопись в значимый, обладающий национальной характерностью и равный другим по положению жанр изобразительного искусства.

40 шедевров из коллекции Русского музея экспонируются сегодня в Музее ИЗО Кузбасса, подробнее о выставке можно узнать по ссылке

Абрам Архипов

«Рыболов. На реке»

В середине XIX века в России и Европе шли поиски национальных истоков и национальной самобытности, которые приводили к попыткам изучения и понимания собственной истории, современной жизни, родной природы. Типичные черты местного ландшафта поэтически осмыслялись писателями и живописцами. С появлением передвижников изобразительное искусство в России стало развиваться в одном русле с передовой русской литературой, музыкой, театром, общественной мыслью.

Абрам Архипов (1862-1930) — художник, педагог, автор жанровых композиций, портретов, пейзажей. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у Василия Перова и Василия Поленова. Главная тема его творчества – жизнь русского крестьянства. Наполненность его пейзажей воздухом и светом, тесная связь с сельской глубинкой сделали Архипова одним из основоположников особой «деревенской» линии русской живописи в ее импрессионистском варианте.

В его картине «Рыболов. На реке» сочетаются бытовой и пейзажный жанры. Сюжет этого небольшого произведения прост: крестьянин-рыбак, управляясь веслом, причаливает лодку к берегу. В картине нет действия как такового, изображение «скадрировано» так, что кроме фигуры старика в лодке мы видим только противоположный берег и речную гладь, а еще буквально слышим плеск воды и чувствуем ее запах. Приглушенные природные краски создают умиротворенное настроение, художник лирически перерабатывает повседневность, поэтизирует рутинность момента.

Алексей Саврасов

«Ранняя весна»

Алексей Саврасов (1830 – 1897) – живописец-пейзажист, педагог, академик Императорской Академии художеств. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где потом руководил пейзажным классом. Член-учредитель Товарищества передвижных художественных выставок.
Уже к концу 1860- х годов сложился совершенно особый «почерк» автора – неповторимый лирический «саврасовский» пейзаж, раскрывающий в скромной повседневности русской природы могучую эмоциональную и идейную насыщенность. Мастер говорил ученикам о том, что в пейзаже должна быть «история души». Исаак Левитан писал, что Саврасов «старался отыскать и в самом простом и обыкновенном те интимные, глубоко трогательные, часто печальные черты, которые так сильно чувствуются в нашем родном пейзаже и так неотразимо действуют на душу. С Саврасова появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к родной земле».
Работа «Ранняя весна» (1880-1890-е) исполнена в поздний период творчества. Тема весны пронизывала все творчество художника. Она вошла в русское искусство в 1830-х годах с поэзией Федора Тютчева и заняла ведущее место в пейзажной лирике второй половины XIX – начала XX века. Впервые в полную силу эта тема прозвучала в картине 1871 года «Грачи прилетели» (Государственная Третьяковская галерея), которая привлекла всеобщее внимание на первой передвижной выставке. К мотиву, найденному во время поездки в Костромскую губернию, Саврасов обращался и в дальнейшем. Картина из собрания Русского музея написана на одном дыхании, отражает «импрессионистическую» свежесть взгляда. Тончайшей светотеневой моделировкой переданы все уловленные художником признаки весеннего пробуждения. Потемневший снег на переднем плане кажется рыхлым и осевшим. Деревья с тающим в воздухе рисунком ветвей устремились ввысь. И хотя небо еще кажется мрачно-серым над колокольней и церковью, вверху уже сквозит голубизна, и облака переливаются теплыми оттенками. Весеннее пробуждение природы Саврасов изображает на холсте сложной живописью, с использованием цветного грунта, различных по цвету и фактуре красочных слоев, применением широких свободных и легких лессировочных мазков. Мотив с изображением тающего снега и вьющих гнезда птиц, покосившегося забора и церковной колокольни стал символом «русскости»— национального понимания природы. С этим скромным образом в живопись вошла та «странная», как назвал ее поэт Михаил Лермонтов, любовь к России, которая питала привязанность к бедным селеньям и скудной природе, к той духовной смиренной красоте, что обращается к сердцу, а не к глазу.

Архип Куинджи

«Ночь на Днепре»

Архип Куинджи (1842 – 1910) – живописец-пейзажист, педагог. Действительный член Императорской Академии художеств, профессор-руководитель мастерской пейзажной живописи в Высшем художественном училище при Академии художеств. Член Товарищества передвижных художественных выставок. В 1898 организовал поездку в Европу для молодых художников, пожертвовав на это 100 тысяч рублей. Устроил на своих крымских землях своеобразную «академическую дачу». Постоянно работал вместе с учениками на пленэре. Инициатор создания Общества художников (впоследствии Общество им. А. И. Куинджи), оказывавшего поддержку художникам. Обществу им были завещаны весь капитал, земли в Крыму и все имевшиеся произведения.
По словам живописца, он всегда стремился передать «внутреннюю сущность» природы, ее сокровенный и вселенский смысл, поэтому Куинджи называют художником света и певцом Космоса. Его картина «Лунная ночь на Днепре» стала, пожалуй, самым громким явлением в русской художественной жизни конца ХIХ века.
На выставке представлено исполненное на небольшом холсте в 1890-х годах авторское повторение знаменитого полотна. Куинджи запечатлел на холсте ночной пейзаж, в котором гипнотизирующий свет луны превращает реальность в пространство волшебства. Молодой Серов, очарованный картиной, оставил взволнованную запись в дневнике: «… Эта картина, по словам знатоков, лучшее произведение пейзажиста Куинджи, дышит поэзией и вполне правдива. <…> Последняя картина «Ночь над Днепром» безукоризненна по технике. Пейзажи теперешних художников кажутся какими-то сырыми перед картинами Куинджи. Подобного эффекта в освещении и подобной художественной простоты сюжета никому не удалось передать так виртуозно, как Куинджи».
Для «Лунной ночи» автор идеально продумал сценарий экспонирования. Он поместил полотно в темное помещение и направил на него луч света лампочки. Художник хорошо знал действие оптических законов отражения и поглощения света. Так светлые участки холста с рельефно положенным слоем краски (луна, лунная дорожка на воде, окна хаток) сильнее отражали падающий луч света, чем гладкая поверхность, и еще более высветлялись, приобретая светящийся блеск. Разная степень отражения света усиливала эффект мерцания и создавала иллюзию колебания водной глади. Темные участки неба и земли, наоборот, поглощали свет, создавая эффект бархатистости живописной поверхности. Небо, тщательно проработанное, превращалось в смысловой центр композиции. Величественное зрелище заставляло погрузиться в размышления о вечности и непреходящей красоте мира. Картина вызывала волшебное ощущение разлитого по земле ночного покоя. Перед ней всегда стояли толпы, слышны были возгласы восторга и изумления. Люди, в «молитвенной тишине» стоявшие перед полотном Куинджи, уходили из зала со слезами на глазах. Картину еще до выставки за небывалую сумму в 5 тысяч рублей купил великий князь Константин Константинович Романов.
Способность Куинджи воплощать на холсте яркие природные эффекты, превращать краску в свет порождала множество домыслов и легенд. Многие живописцы совершенно серьезно считали, что мастер обладал секретом так называемых «лунных красок». Илья Репин вспоминал: «В большом физическом кабинете на университетском дворе мы, художники-передвижники, собирались в обществе Д. И. Менделеева и Ф. Ф. Петрушевского для изучения под их руководством свойств разных красок. Есть прибор — измеритель чувствительности глаза к тонким нюансам тонов; Куинджи побивал рекорд в чувствительности до идеальных точностей». В настоящее время краски всех вариантов этой картины потемнели и нам трудно представить, как выглядели полотна в момент написания. Остается лишь довериться Крамскому, который, предвидя, что краски изменятся, и необычное зрелище будет недоступно потомкам, предложил составить акт и документально засвидетельствовать, что картина «Ночь на Днепре» наполнена действительным светом и воздухом, река действительно совершает свое величественное течение и небо — настоящее, бездонное и глубокое.

Станислав Жуковский

«Весенняя вода»

Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у Исаака Левитана. Член Товарищества передвижных художественных выставок и Союза русских художников. В начале XX столетия Станислав Жуковский – один из самых известных и популярных пейзажистов в России, считался наиболее талантливым учеником и прямым наследником Левитана. Свои пейзажи он писал на пленэре. В работах Жуковского много света и воздуха, он предпочитал писать яркими, насыщенными красками и использовал импрессионистские приемы, в то же время продолжая традиции русского лирического пейзажа. В 1923 году уехал в Польшу, во время ее оккупации погиб в концлагере близ Варшавы.

«Весенняя вода» (1898) – интересный пример «раннего» Жуковского: в отличие от привычных для творчества мастера наполненных солнцем картин, полотно имеет сдержанный, даже несколько печальный характер. Произведение демонстрирует начало расцвета таланта молодого живописца. Тщательное письмо передает знакомую увлекательную картину преображения природы. Каждая деталь требует внимательного разглядывания: в том, как прозрачны деревья, написанные на фоне белого снега, как сияет неподвижная гладь воды, через которую проглядывает прошлогодняя листва, — заключен целый мир. Темные пятна земли и светлые — снега, зыбкость отражения в воде и движение цвета – это хрупкий, меняющийся пульс весны. Но нечеткие очертания и кажущиеся неустойчивыми формы заключены в совершенную уравновешенную композицию, отсюда возникает чувство умиротворенности, тишины и покоя. Неожиданный ракурс, живая игра бликов света и отражений, тени на оттаявшей земле и на снегу усиливают эффект свежести увиденного. Кажется, прямо на наших глазах свершается чудо: природа медленно и лениво просыпается от зимнего сна.

Сергей Виноградов

«Весна»

Сергей Виноградов (1869–1938) — живописец, график, педагог, публицист, академик живописи. Член Товарищества передвижных художественных выставок. Особое влияние на его творчество оказал Василий Поленов – занятия с этим великим мастером позволили Виноградову найти собственный уникальный стиль в пейзаже. Художник написал много жанровых полотен и тонких по настроению пейзажей, покоряющих мастерством передачи трудноуловимых состояний природы и новым пониманием света и цвета. Работы Виноградова 1910-х годов – пейзажи в духе импрессионизма.

В 1911 году Виноградов создает лирическое полотно «Весна», пронизанное ностальгическим духом старинных дворянских усадеб. На первом плане – темные проталины, следы на снегу, фигурка бредущего крестьянского мальчишки. Светящимися в лучах теплого солнца тропинками художник ведет нас ведет в глубину парка, к усадебному дому, виднеющемуся на фоне насыщенно голубого неба. Ветви деревьев, переходящие в свободные мазки высокого неба, простор в нижней части холста придают пейзажу воздушность и легкость. «Мгновенность», трепетное, быстро меняющееся состояние природы подчеркнуто сияющей цветовой гаммой; лиловые тона в изображении снега, теплый цвет дома, яркое небо вызывают чувство светлой радости, рожденное наступлением весны.

Критик Петр Пильский писал: «У Виноградова все залито солнцем и пронизано тихим восхищенным светом, с этим художником тепло, и вся выставка стоит будто в озарениях, то солнечных, то полузакатных красках… Виноградов поразительный художник, к чему бы он ни прикоснулся, все вдруг начинает трепетать и светиться. По этим холстам разлита ласковая и восхитительная радость, в этом мире хочется жить».

Весна не за горами, чувствуете?!

Федор Васильев

«Деревня»

Федор Васильев (1850-1873) – живописец, график, пейзажист. «Гениальный юноша»: диапазон художественных интересов и достижений этого молодого человека, прожившего всего 23 года, феноменален. Он успел повлиять на Илью Репина, а учителя живописца – Шишкин и Крамской – быстро стали воспринимать его как равного. Крамской писал, что Федор Васильев будто живет во второй раз и не учится рисованию впервые, а вспоминает забытое. Современники сравнивали его с Моцартом и Пушкиным в мире живописи. Спустя годы его творчество ценится так же высоко, 27 картин художника хранятся в Государственном Русском музее.

Иван Крамской отмечал: «Ему сразу суждено было внести в русский пейзаж то, чего последнему недоставало и недостает: поэзии при натуральности исполнения». Вырваться на природу, обрести красоту и правду в национальных мотивах Федор Васильев смог в путешествии 1869 года, когда граф Павел Строганов пригласил молодого талантливого художника в свои имения в Тамбовской губернии и на Украине. Присылаемые домой письма и исполненные в тот год картины говорят о восторженных впечатлениях Васильева от открывшихся перед ним видов, ни в чем не похожих на окрестности Петербурга. «Вся жизнь наружу! – писал художник. – Эти ветла и избы, скот и люди складывались в такие полные жизни и силы картины, что невольно, долго после, зажмуривались глаза, и в голове поднималась картина, от которой опускались руки».

По принципу «вся жизнь наружу» и написана картина «Деревня». На первом плане – пыльная дорога, ведущая к убогим домишкам с прохудившимися крышами, и ветхий мосток через речку, где крестьянка полощет белье, а вторая, стоящая рядом, сгибается под тяжестью коромысла. Художник позволяет стать непосредственным очевидцем безрадостной повседневности, которой жила российская глубинка. Но в лугах с пасущимися овцами, в полете птиц, в небе присутствует живописная свобода, позволяющая проникнуться той самой поэзией пейзажа. Путешествия обогатили художественное чувство, придали силу и свободу живописи Васильева. В своих картинах он решал сложные технические задачи и создавал сильные образы русской природы.

Михаил Клодт

«На пашне»

На выставке в Музее ИЗО Кузбасса представлена картина «На пашне» Михаила Клодта, художника, академика живописи, профессора пейзажной живописи, члена-учредителя Товарищества передвижных выставок. Отец Михаила Клодта был первым русским гравером по дереву, дядя — знаменитым скульптором (автором скульптур на Аничковом мосту в Санкт-Петербурге), двоюродный брат – живописцем.

В 1860-е годы интерес русских пейзажистов к национальной природе, их путешествия в различные губернии России способствовали увеличению количества произведений, которые изображали деревенские ландшафты и быт. Сельская природа и бытописательский крестьянский жанр стали занимать важное место и в тематике произведений Михаила Клодта. Его полотна отличают реализм изображения, тщательная проработка деталей, мастерство перспективы и композиции, умение «одушевить» природу присутствием человека.
В картине «На пашне» – сочетание романтического мотива и академической строгости исполнения. Клодт выбирает вытянутый по горизонтали формат, использует ритм полос распаханной земли, это позволяет создать впечатление панорамного изображения и передать ощущение теплого весеннего дня. Автору удалось уловить органичную связь человека с родной землей, поэтичность национальной природы, символику бесконечно обновляющейся жизни.

Критик Владимир Стасов называл художника «живописцем поэтических сельских настроений», он писал: «Клодт, на мой глаз, – один из самых характерных наших пейзажистов. <…> Клодт ищет только схватить русскую природу во всей её неказистости, без всякой претензии на парад и золотом шитый мундир, без чего другие пейзажисты не представляют себе природу. Но зато сколько истинного, глубокого наслаждения приносят его правдивые картины».

Александр Беггров

«Набережная Невы»

Александр Беггров (1841 – 1914), русский живописец-маринист, акварелист, академик и почетный члена Императорской академии художеств. Окончив Морской кадетский корпус, Морское инженерно-артиллерийское училище, Александр Беггров принимал участие в кругосветных плаваниях как офицер и художник Морского ведомства. Многие его работы посвящены морской тематике – он писал завораживающие виды портовых городов, изображал известные морские суда. С 1874 г. художник принимает участие в выставках Товарищества передвижных художественных выставок, а два года спустя становится полноправным членом товарищества. Показанная на VII передвижной выставке картина «Набережная Невы» положила начало циклу петербургских пейзажей Александра Беггрова.
На картине «Петербург. Вид на Неву» (1912) река – пульсирующая водная артерия, передающая динамичный жизненный ритм современного города. Произведение открывает нам широкую панораму невской акватории с силуэтами здания Адмиралтейства и дальней линией Дворцовой набережной. Но от великолепия дворцовых ансамблей, которые художник прячет за дымкой влажного воздуха, внимание отвлекает деловая хозяйственная атмосфера, царящая на реке большого портового города, столицы империи. В движении облаков, в ряби воды, в снующих катерах и тяжелых груженых баржах, караванами идущих по фарватеру, есть пульс современной художнику жизни. А парусные суда на первом плане изменяют временные ощущения, возвращая городу дух петровской эпохи. Отечественная история, водный простор, ветер странствий и деловая энергетика столицы. Приобщитесь к этому духу и вы! 40 шедевров из коллекции Русского музея экспонируются сегодня в Музее ИЗО Кузбасса, подробнее о выставке можно узнать по ссылке

Владимир Аммон

«Пруд»

Владимир Аммон – известный живописец, академик пейзажной живописи, член Товарищества передвижных художественных выставок, видный представитель московской пейзажной школы второй половины XIX века.

Известность пришла к Аммону довольно рано. Его ценили современники, в том числе члены высокопоставленных семейств – картину «Мальчик, кидающий щепку» приобрела великая княгиня Мария Николаевна. Фигура Владимира Аммона значима для русского искусства, его имя связывают с расцветом пейзажной живописи в России во второй половине ХIХ века. Пейзажи Аммона (он часто называл их по-русски видами – «Вид Академии наук и Дворцовой набережной в Петербурге», «Вид в окрестностях Москвы», «Вид в Коломенском», «Вид Симонова монастыря»,«Вид в Воронежской губернии» и др.) являются предтечей лирического пейзажа настроения, представителями которого в дальнейшем станут Саврасов, Васильев, Левитан.

К сожалению, работ мастера сохранилось немного и в основном в частных собраниях. В коллекции Русского музея находится несколько произведений живописца, одно из них – «Пруд». В этой работе Аммон изобразил вид, настолько знакомый и типичный, что определить его местонахождение невозможно. От тщательно проработанного полотна веет искренней любовью к природе. Художнику удалось мастерски передать красоту привычного течения повседневности, показать всю прелесть русской земли, очарование и особый дух укромных уголков родного края.

Исаак Бродский

«Ранняя весна»

Исаак Бродский (1883/84 – 1939), живописец, график, художник театра, педагог, автор статей, посвященных искусству, одного из любимых учеников Ильи Репина. Константин Юон вспоминал: «Его пейзажи всегда воспринимались мною как музыкальные произведения, его рисунок тонко вел скрипичную партию, всегда мелодичную». А сам Исаак Бродский писал: «Моими излюбленными мотивами по-прежнему оставались широко увиденные пейзажи с большими просторами и уходящей вглубь перспективой. Я стремился строить пейзаж как композиционное целое, как картину, интуитивно сопротивляясь тому навеянному импрессионизмом увлечению этюдом, который был возведен эпигонами этого направления в самодовлеющую ценность…».

«Ранняя весна» Бродского – это сказка о загадочной изменчивости мира. Это первое потепление, с уже сходящим снегом, с чистым зеркалом холодной воды, слегка оттаявшей размытой дорогой и ощущением вновь рождающейся жизни. Кажется, вот-вот начнется полнокровное пробуждение природы! Но ночная пора и свет луны словно останавливают это пробуждение… Написанное в сдержанной, приглушенной гамме, полотно кажется изысканной акварелью, но эта сдержанность прекрасно передает трепетное состояние природы.

Илья Репин вспоминал: «О Бродском писать легко… Потому что и его характер, и произведения, в которые он вкладывает столько любви и красоты, всегда журчат чистым источником ключевой воды… Особенность творчества Бродского – тонкость и изящество линий… Меня восхищает в произведениях Бродского, после его дивных, тонких линий истинной красоты, его колорит: скромный, глубокий, своеобразный и всегда неожиданный, – как его творчество. Он поет чисто, звонко; его мелодии красок бесконечны по своим сочетаниям, по своей особой гармонизации».

Иван Ендогуров

«Пейзаж с рекой»

Иван Ендогуров (1861-1898) — русский живописец, график, акварелист, член Товарищества передвижных художественных выставок. В молодом возрасте у Ендогурова обнаружились признаки туберкулёза лёгких, прогрессирующее заболевание заставило его уехать в Крым. Он совершал частые переезды, на его картинах появляются и норвежские фьорды, и природа Корсики, и виды Баварии. В своём творчестве Ендогуров продолжал традиции русского лирического пейзажа, тонко чувствуя характер природы той местности, которую изображал. Иван Ендогуров считался одним из самых заметных акварелистов 19 века и одним из самых талантливых пейзажистов своего времени.

Полотно «Пейзаж с рекой» (1888) показывает нам умение художника в нежной выразительной манере передать тончайшие градации света. Пейзаж окутан мягким светом, влажный воздух смягчает очертания предметов – они словно растворяются в воздушном пространстве. Изящное изображение перспективы, свежести летнего дня иллюстрируют большое лирическое дарование художника. Многие современники ценили талант Ендогурова, так Василий Поленов, характеризуя одну из открывшихся передвижных выставок, отметил, что «из пейзажей Ендогуров первенствует».

Один из критиков писал: «Его живопись, мягкая и гармоничная, отличалась необыкновенно интимным характером».

Живописец любил раннюю весну и осень, обыденную природу севера с её прохладным летом и праздничную южную природу, залитую солнцем. В парижском издании 1910 года альбома избранных картин Музея Александра III (будущий Государственный Русский музей), куда вошли работы лучших 50 художников, составитель назвал Ендогурова «лучшим из лучших»: «Ширь, воздушность и настроение – всегда хорошо передавались им».

Николай Дубовской

«Тучи проходят»

Николай Дубовской (1859-1918) – живописец, график, общественный деятель, член и один из руководителей Товарищества передвижников. Творческое наследие Николая Дубовского насчитывает около четырехсот картин, более тысячи этюдов, и в основном это пейзажи. Любимой его темой была русская природа. Вместе с Исааком Левитаном (которого современники считали одним из самых сильных конкурентов Дубовского) и другими молодыми передвижниками он был создателем нового направления в русской пейзажной живописи, которое получило впоследствии название «пейзаж настроения».

Передача дыхания жизни природы, связь с ней, – вот что для него дорого и к чему он стремился. Свет, воздух, пространство – те компоненты, по которым узнаются его работы. Дубовского называют мастером изображения облачных небес. В его картинах небо становится «основным компонентом пейзажного образа, наиболее выразительной её частью». Дубовской говорил, что небо, облака ему наиболее удаются, может быть, потому, что он наблюдал их с детства. Когда он жил в городе, в окрестностях которого не было интересной природы, то забирался на крышу дома и оттуда бесконечно писал облака.

Пример позднего периода творчества мастера – пейзаж «Тучи проходят» (1918 год). Побережье. Сильный ветер треплет полуоблетевшие кроны деревьев, нагоняя волны и раскачивая лодки. В небе – тоже волнение: темные тучи и непогода сменяются белыми облаками, уступая место свету. Передавая быстро изменяющееся состояние природы, Николай Дубовской работает экспрессивным, вибрирующим мазком.

Константин Коровин

«Дорога. Звенигород»

Константин Алексеевич Коровин (1861–1939), русский живописец, автор пейзажей, портретов, натюрмортов и жанровых картин, рассказов и мемуарных очерков, художник театра, академик Императорской Академии художеств, кавалера ордена Почетного легиона.

Константин Коровин – центральная фигура русского импрессионизма. Он учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А. Саврасова, В. Перова, В. Поленова, в Академии художеств. Член Абрамцевского кружка, обществ «Мир искусства», «Союз русских художников». Оформлял спектакли для мамонтовской Частной оперы, работал для Императорских театров. Оформил свыше 100 постановок для театров Москвы и Петербурга. С 1910 – главный декоратор Московских императорских театров. В 1918–1919 преподавал в Государственных свободных художественных мастерских. В 1924 поселился в Париже.

«Земное окружение, леса, цветы, реки наши и озера, одним словом – природа, созерцание ее – было самым существенным в моем детстве и осталось самым дорогим и родным сердцу на всю жизнь. Природа захватывала всего меня, с сердцем и душою, давала настроение, как если бы ее изменения были слиты с моей душой», – вспоминал художник.

На выставке «Пейзаж в творчестве художников ХIХ – начала ХХ века» из коллекции Государственного Русского музея вы можете увидеть произведение Константина Коровина «Дорога. Звенигород» (1891).

Более 40 шедевров отечественного искусства экспонируются в Музее ИЗО Кузбасса.

Александр Киселев

«Стадо у пруда»

Александр Киселев (1838-1911) – русский живописец, искусствовед, преподаватель, филолог, поэт.

Его картину «Стадо у пруда» (1910) можно увидеть на выставке «Пейзаж в творчестве художников XIX – начала XX века» из коллекции Государственного Русского музея.

Южный пейзаж. Безмятежность, спокойствие, летний зной. То, чего нам так будет не хватать и то, по чему мы соскучимся за долгие холодные месяцы. За разнообразием ярких красок и приглушенных тонов, за опытом осмысления действительности художниками, которые жили и творили полтора столетия назад, за чистотой впечатлений и наслаждением мастерством – вперед, вперед, современник, на выставки!

Александр Киселев – автор более 800 пейзажей средней полосы России, Украины, Кавказа и Крыма. Жизнерадостный, влюбленный в искусство художник вкладывает все свое восхищение миром в самые простые сюжеты. Илья Репин писал: «Его пейзажи я назвал бы самыми цельными, простыми, при всей строгости реальной правды и знания профессорски своего предмета». Иван Крамской отмечал присущую его картинам солнечность.

Более 40 шедевров отечественного искусства экспонируются в Музее ИЗО Кузбасса.

«Святая Русь»

В Музее изобразительных искусств Кузбасса до 15 февраля проходит выставка одной картины Михаила Нестерова «Святая Русь» – одного из интереснейших произведений Серебряного века. На полотне изображен Христос в окружении наиболее почитаемых на Руси святых, к которому пришли богомольцы. Картина прибыла в Кемерово после масштабной реставрации, которая длилась полгода. На выставке вы можете посмотреть об этом фильм.

Михаил Нестеров

«Святая Русь»

Картина Михаила Васильевича Нестерова «Святая Русь» (1901-1905, Русский музей) – одно из самых главных произведений отечественной живописи рубежа ХIХ – начала ХХ веков, периода, получившего в истории название Серебряного века русской культуры. Замысел произведения был связан с расцветом отечественной религиозно-философской мысли, стремившейся познать природу русского человека и российской государственности, предугадать их дальнейшее историческое бытие. Насколько большое значение придавал Нестеров своему произведению, свидетельствуют слова из его письма от 26 апреля 1900 года: «картина сложная во всех отношениях, после нее хоть и на покой – все главное будет сказано».
Поиском материалов для «Святой Руси» Нестеров занимался с конца 1890-х годов. Большое значение для работы над картиной сыграли творческие поездки художника в Подмосковье и, особенно, на Соловки, где он мог воочию наблюдать подвижническую, проходящую в трудах и молитвах, жизнь монахов, любоваться суровым величием северной природы, изучать многообразные и выразительные типы паломников. В одном из писем Нестеров так описывал будущее произведение: «Среди зимнего пейзажа идут-бредут и стар, и млад со всей земли. Тут всяческие »калеки», люди, ищущие своего Бога, искатели идеала, которыми полна наша »Святая Русь». Навстречу толпе, стоящей у врат монастыря, выходит светлый, благой и добрый Христос с предстоящими ему святыми Николаем, Сергием и Георгием».
Правую часть полотна занимают изображения пришедших к Христу богомольцев. По своей красоте и выразительности их образы могут быть отнесены к лучшему, что было создано в русской реалистической живописи. Моделями Нестерову послужили увиденные им близ Мытищ ребятишки, монахи Соловецкого монастыря и Черниговской обители Троице-Сергиевой лавры, а также случайно встреченные или близкие художнику люди. В облике пожилой женщины в ковровом платке, поддерживающей больную девушку, узнаются черты сестры Нестерова, Александры Васильевны, а в стоящей тут же монахине-схимнице – черты его матери Марии Михайловны. Каждого из персонажей отличают глубокая индивидуальность, своеобразие психологического состояния. Поначалу Нестеров полагал ввести в картину писателя Максима Горького – талантливого выходца из социальных низов, народного самородка, и сделал с писателя портретный этюд. Но в 1904 году, после публикации поэмы Горького «Человек», проникнутой революционно-ницшеанским духом, Нестеров заменил изображение писателя, уже намеченное на холсте, изображением сестры милосердия одной из петербургских общин. Этюд для лика Христа был написан художником с придворного священника Константина Руднева, настоятеля церкви в Абастумане (Южная Грузия), где Нестеров в 1902-1904 годах по заказу царской семьи расписывал храм во имя благоверного князя Александра Невского.
«Святая Русь», впервые показанная широкой публике на персональной выставке художника в 1907 году в Петербурге, вызвала ожесточенные споры в обществе, которое недавно пережило первую русскую революцию. Прогрессивные круги увидели в картине попытку примирения с несправедливой российской действительностью. Сам же Нестеров считал, что своей картиной, как и всем своим творчеством, он вносит успокоение в общество, взбаламученное революционными событиями. Картина понравилась императору Николаю Второму, но получила отрицательную оценку Льва Толстого. Прямо с выставки произведение было куплено для Музея Императорской Академии художеств. В 1909 году картина была отправлена на Международную выставку в Мюнхен, где получила золотую медаль 1-й степени и была воспроизведена во многих зарубежных изданиях. В 1921 году «Святую Русь» передали в Русский музей, где она заняла место в основной экспозиции. В конце 1920-х годов в связи с усилением запретительной политики, касавшейся вопросов религии, произведение было убрано в фонды. Там оно находилось до конца 1980-х годов, когда снова вошло в экспозицию и стало доступно посетителям музея для постоянного обозрения.
Михаил Нестеров работал над полотном 6 лет, переписывая целые фрагменты. Не делая межслойную обработку, автор «закладывал» проблему нарушения связи между красочными слоями. Со временем к этому добавились и другие дефекты. Последние 19 лет картина не покидала залов Государственного Русского музея. В 2019 году была проведена масштабная реставрация полотна, и теперь оно снова стало «выездным».
Реставраторам Русского музея необходимо было изучить красочные слои картины в ультрафиолетовой люминисценции, взять химические анализы. За продолжительный период времени на полотне развился жесткий кракелюр в виде очень крупных горизонтальных изломов, которые создавали эффект «стиральной доски», преломляли свет и мешали восприятию живописи. С помощью особой камеры был сделан анализ пигментов и установлено наличие воска в живописи. Необходимо было ввести клей под отслоения, заменить авторский подрамник, поработать с лаком и кромками, провести много других работ, применяя различные реставрационные технологии. Результатом стало возвращение картине ее настоящего колорита и сияния. После реставрации «Святая Русь» предстала обновленной, приобрела совсем другой вид, другие краски и эмоциональное состояние.
О процессе реставрации, а также об истории написания полотна рассказывает фильм, который может посмотреть каждый посетитель выставки одной картины «Святая Русь» Михаила Нестерова в Музее изобразительных искусств Кузбасса.

«Русский авангард»

Выставка «Русский авангард» в Кемерове стала для команды Центра мультимедиа Русского музея итогом многолетних экспериментов в области компьютерной визуализации. Она организована в рамках деятельности Филиала Русского музея в городе Кемерово.

Основа мультимедиа-экспозиции – 60 произведений русского авангарда, каждое из которых занимает особенное положение как в коллекции Русского музея, так и в русском искусстве первой трети ХХ века.

Казимир Малевич

Супрематизм

Термин «супрематизм» происходит от латинского слова supremus, означающего «высший» или «превосходный». Под супрематизмом его изобретатель Казимир Малевич подразумевал искусство будущего — оно должно было заменить традиционную живопись. Свою концепцию он изложил в брошюре «От кубизма и футуризма к супрематизму» и в критическом очерке «От Сезанна до Супрематизма».

В супрематизме главным элементом живописи был цвет. Художники использовали цвета так, чтобы они не вызывали у зрителя ассоциаций с привычными предметами. Сам Малевич писал: «Когда исчезнет привычка сознания видеть в картинах изображение уголков природы, мадонн и бесстыдных венер, тогда только увидим чисто живописное произведение».

Структура мироздания в супрематизме выражается в простых геометрических формах: прямой линии, прямоугольнике, круге, квадрате на светлом фоне, знаменующем бесконечность пространства. Идеи супрематизма, отсчет которому положил знаменитый «Черный квадрат», нашли воплощение в архитектуре, сценографии, полиграфии, промышленном дизайне.

Работы, вошедшие в экспозицию:
Чтец. Эскиз костюма к опере «Победа над солнцем». 1913
Композиция с Джокондой (Частичное затмение). 1914
Красный квадрат (Живописный реализм крестьянки в двух измерениях). 1915
Супрематизм. 1915
Супрематизм. 1915-1916
Супрематизм (Supremus № 56). 1915-1916
Черный квадрат. Около 1923
Черный крест. Около 1923
Черный круг. Около 1923
Архитектон «Гота». 1923
Турецкий воин. Эскиз костюма к опере «Победа над Солнцем». Вторая половина 1920-х
Воин. Эскиз костюма к опере «Победа над Солнцем». Вторая половина 1920-х
Будетлянский силач. Эскиз костюма к опере «Победа над Солнцем». Вторая половина 1920-х
Таблица № 3. Пространственный супрематизм. Вторая половина 1920-х
Девушки в поле. 1928-1929
Сложное предчувствие (Торс в желтой рубашке). 1932
Две мужские фигуры. Начало 1930-х

Василий Кандинский

Абстракционизм

Основатель абстракционизма Василий Кандинский занимает в искусстве России и Европы ни с чем не сравнимое место. Кандинский противопоставил взрыву экспрессии, прорвавшейся на холст агрессивным цветом, очистительное воздействие глубоких человеческих инстинктов, способных выявить духовную сущность.

В картинах художника визуальные образы реальности очищаются от своего материального происхождения, абстрагируются до основных изобразительных элементов – точки, линии и пятна.

На рубеже первого и второго десятилетий XX века Кандинский через символизм и экспрессионизм переходит к абстрактной живописи. Начиная с 1908–1909-х годов, привычные земные координаты постепенно исчезают в картинах Кандинского, чтобы уступить место безграничному и бездонному космосу, категориями которого и будет впредь оперировать воображение художника.

В книге «О духовном в искусстве» — своеобразной теории абстракционизма – художник рассуждал об ассоциациях, которые вызывают у зрителя каждый цвет, линия и геометрическая фигура: «Цвет — это клавиш; глаз — молоточек; душа — многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу».

Работы, вошедшие в экспозицию:

Импровизация 11. 1910.
Святой Георгий (II). 1911
Черное пятно. 1912
Композиция с белой каймой. 1913
Композиция. Женская фигура. 1915
Композиция (Ландшафт). 1915
Синий гребень. 1917
Сумеречное. 1917
Амазонка в горах. 1918
Амазонка с голубыми львами. 1918
Белое облако. 1918
Золотое облако. 1918
Два овала (Композиция № 218). 1919
Картина с остриями. 1919
На белом (Композиция № 224). 1920

Конструктивизм

От латинского constructio – построение, структура – направление в искусстве ХХ века, представители которого основой художественного образа считали конструкцию. Целью конструирования была организация оптимальной связи между элементами композиции.

Конструктивизм возник в России, в среде художников и архитекторов, активно приветствовавших революционные настроения, а впоследствии и саму пролетарскую революцию как начало новой эпохи, призванной качественно изменить внутренний мир человека и окружающую его среду. Термин «конструктивизм» использовался советскими художниками и архитекторами ещё в 1920 году: конструктивистами себя называли Александр Родченко и Владимир Татлин – автор проекта Башни III Интернационала.

Художники-конструктивисты выдвинули важнейшей задачей искусства моделирование окружающей среды средствами и приемами искусства, сочетание красоты с функциональностью. Они обратились к разработке интерьеров, предметов мебели и быта, костюма, рисунка на ткани – всему тому, что получило затем развитие как промышленный дизайн. В советском искусстве конструктивизм получил настолько широкое распространение, что до начала 1930-х признавался главенствующим направлением.

Конструктивизм был популярен в советской архитектуре 1920−30-х годов. В этом стиле строили общественные здания, общежития, дома-коммуны. Архитекторы-конструктивисты отказывались от «излишества форм» и обилия декоративных элементов. В их проектах главными были функции и назначение здания, а не его внешний вид.

Работы, вошедшие в экспозицию:
Татлин В.Е. Угловой контррельеф. 1914
Экстер А.А. Конструктивный натюрморт. 1917
Родченко А.М. Белый Круг. 1918
Родченко А.М. Красное и желтое. 1918 (?)
Родченко А.М. Черное на черном. 1918
Родченко А.М. Беспредметная композиция (Композиция №53). 1918
Родченко А.М. Беспредметная композиция. 1918
Родченко А.М. Беспредметная композиция (Композиция №56). 1918
Альтман Н.И. Эскиз праздничного оформления пл. Урицкого (Дворцовой) между зданием Зимнего дворца и зданием штаба Гвардейского корпуса. 1918
Родченко А.М. Альбом «Гравюры 1919 г.». 1919
Степанова В.Ф. Композиция из четырех фигур: мужской, женской и двух детских. 1919
Степанова В.Ф. Композиция из двух фигур, мужской, составленной из прямоугольников, и женской, составленной из овалов. 1919
Степанова В.Ф. Женская фигура, составленная из треугольников и кругов. 1919
Альтман Н.И. Беспредметная композиция РСФСР. 1919-1920
Стенберг Г.А. Подъемный кран. 1920
Альтман Н.И. Петрокоммуна. 1921
Альтман Н.И. Проект убранства площади Крицкого к 1-й годовщине Октябрьской революции. Образец подноса (мастер-исполнитель Софья Шульман). 1924-1925

Аналитическое искусство

Павел Филонов

Павел Филонов – центральная фигура петербургского авангарда в 1910-1920-х годах и один из самых загадочных художников не только в русском, но и в мировом искусстве XX века, творчеству которого нет аналогий.

Для истории русского искусства Павел Филонов не просто оригинальный художник, лидер русского авангарда. Прежде всего он известен как создатель направления аналитическое искусство. Новая концепция творчества по Филонову подразумевает принцип «органического роста» художественной формы от частного к общему, когда картина развивается из точки, подобно растущему организму в природе. Художник декларирует необходимую связь творческого процесса с научным познанием мира, равно как и с областью психологии творчества. Его картины полны символического смысла и трагического напряжения. Сформировавшийся как художник, философ, теоретик практически самостоятельно, Филонов оказал заметное влияние на многих деятелей авангарда начала ХХ века.

В картинах Филонова «живут» не только рожденные его воображением персонажи, но и окружающая их среда, всё, к чему прикасается мысль художника. В живописи Филонова нет ничего случайного. Она наполнена символами, знаками, образами, которые так гармонично и естественно связаны между собой, что уже вся картина в целом является символом, и надо весь холст воспринимать и рассматривать как единую метафору.

Искусству Филонова в целом присуще трагедийное начало: волею судьбы ли, в силу ли своего характера, но художник, по существу, не создал ни одного оптимистического образа. Везде, в каждом явлении видит он позитивную и негативную стороны, они как свет и тьма для него – неразрывные антиподы.

Работы, вошедшие в экспозицию:
За столом. 1912-1913
Пир королей. 1912-1913
Масленица и вывод из зимы в лето. 1913-1914
Крестьянская семья. 1914
Перерождение интеллигента (Перерождение человека). 1914-1915
Формула Петроградского пролетариата. 1920-1921
Формула периода 1904 по июль 1922 (Вселенский сдвиг через Русскую революцию в мировой расцвет). 1920-1922
Без названия. 1923
Две головы (Матросы с Азовского моря). 1925
Живая голова. 1926
Формула весны и действующие силы. 1927-1928
Ударники (Мастера аналитического искусства). 1934-1935
Лики. 1940

С помощью QR-кодов, размещенных на портретной галерее художников, можно ознакомиться с биографиями художников и их работами, находящимися в коллекции Русского музея.

Филиал Русского музея в Кемерове

«Пейзаж в творчестве художников XIX – начала XX века»